New York, Galerie principale de la nouvelle musique
Cette galerie s'organise autour de 14 moments choisis et singuliers de la vaste trajectoire de la nouvelle musique dans le New York du début des années 1980. Représentant une variété de genres, de lieux et d'événements influents, ils sont choisis parmi des milliers de moments musicaux qui ont défini la richesse et la diversité de la scène musicale de la ville. Bien qu'ils soient par définition incomplets, ils donnent ensemble une impression globale de l'énergie et de l'innovation qui ont défini l'époque.
Dans certains cas, les moments sont cruciaux et leur influence durable. D'autres mettent en évidence une programmation intéressante de groupes ou une confluence d'interprètes, tandis que certains festivals incarnent les efforts visant à réunir des musiciens sous des parapluies plus larges pour favoriser une considération plus sérieuse de leur pratique. Lorsqu'ils sont vus ensemble, ces moments, disposés autour des murs de la galerie, donnent une idée de l'innovation, de l'énergie et de la pollinisation croisée des idées musicales qui se produisaient à travers la ville à ce moment d'ouverture et de créativité.
Les moments suivants sont organisés dans le sens antihoraire à partir de l'entrée de la galerie.
Événement : Au-delà des mots
Lieu : Mudd Club
Date: Avril 9, 1981
La rencontre d'idées entre la culture de l'uptown et celle du centre-ville a franchi un cap important le 9 avril 1981, lorsque le Mudd Club de TriBeCa a accueilli Beyond Words. Cette exposition et performance d'art du graffiti par DJ Afrika Bambaataa, les Cold Crush Brothers et les Fantastic Five ont contribué à propulser une nouvelle ère dans la nouvelle musique de New York.
Pendant plusieurs années, les DJ et MC en vedette faisaient des soirées dans les quartiers chics tandis que des graffeurs des cinq arrondissements peignaient les métros avec une «écriture de style». Au début des années 1980, un intérêt croissant pour l'art basé sur les graffitis, le DJ turntablism, le rap et la culture b-boy - ce qui serait réuni sous le terme générique de «hip hop» - a commencé à s'infiltrer dans la scène du centre-ville. Événements artistiques et musicaux à l'espace artistique Fashion Moda dans le Bronx, Le spectacle de Times Square produit par Colab en 1980,
et New York/Nouvelle Vague au centre des arts PS 1 dans le Queens en février 1981, tous ont préparé le terrain pour Beyond Words.
Fred Brathwaite (alias Fab 5 Freddy) a flotté entre ces mondes et a contribué à connecter ces cultures. Fred était aussi un habitué du Mudd Club, où la musique, l'art et les « happenings » se partageaient régulièrement l'affiche. Avec l'artiste Futura 2000, il a organisé le Beyond Words exposition, mettant en vedette le travail d'artistes du centre-ville aux côtés de graffeurs, et réservé les performances musicales. Le centre-ville a pris note. Bientôt, il y eut des soirées régulières pour des soirées hip-hop organisées au Club Negril, puis au Roxy, et une tournée internationale en 1982 promouvant la culture avec des arrêts à Londres et à Paris.
Artiste : Talking Heads
Lieu : Central Park
Date: Août 27, 1980
Cinq ans après avoir monté pour la première fois sur scène au CBGB (en première partie du groupe punk rock pionnier des Ramones), le 27 août 1980, les Talking Heads ont donné un concert à guichets fermés au Wollman Rink de Central Park. Le groupe venait de terminer le mixage de leur quatrième album studio, Rester dans la lumière, qui a poussé leur musique dans de nouvelles directions. Ils fusionnaient maintenant le rock and roll new wave avec l'afrobeat, une combinaison de funk et de jazz américains avec des polyrythmies ouest-africaines. Pour reprendre les mots du chanteur David Byrne dans Rockeur new-yorkais, « Ce n'est pas Talking Heads avec un nouveau style. Tout le concept a changé. Aux textes nerveux et à l'humour noir des années 1970 succèdent des rythmes propulsifs et un lyrisme évangélique presque extatique.
Pour la première fois, le groupe s'est étendu au-delà du quatuor classique composé de David Byrne, Chris Frantz, Jerry Harrison et Tina Weymouth, réunissant un éventail de musiciens dont le guitariste Adrian Belew, le claviériste Bernie Worrell, le bassiste Michael "Busta Cherry" Jones, le percussionniste Steve Scales, percussionniste et choriste Dolette McDonald, et choriste Nona Hendryx.
Le spectacle de Central Park, avec une foule de près de 20,000 XNUMX personnes, n'était que la deuxième fois que cette formation jouait ensemble en direct. Le groupe a insufflé un nouvel esprit collectif dans la musique des Talking Heads. Plusieurs morceaux du spectacle de Central Park ont ensuite été inclus dans le double album live Le nom de ce groupe parle aux têtes (1982).
Artistes : DNA et Gray
Lieu : CBGB
Date: Mars 22, 1980
Le samedi 22 mars 1980, DNA et Gray, deux groupes associés à la scène "no wave" de New York, sont montés sur la scène du CBGB sur le Bowery. À l'époque, de nombreux groupes no wave ont moins mis l'accent sur la musicalité et la technique traditionnelles, une attitude qui leur a permis d'explorer le son, le motif, la texture et l'improvisation libre. Le concert du CBGB était emblématique de ce moment en no wave : les deux groupes ont joué fréquemment ensemble de 1979 à 1981, et les matériaux réunis ici incarnent le jumelage des deux groupes influents sur la scène du centre-ville.
Au moment du concert du 22 mars, DNA était un trio, chaque membre adoptant une approche non conventionnelle de ses instruments. Comme New Yorker Le critique musical Sasha Frere-Jones a écrit : "Trop souvent décrits comme du "bruit", les figures de guitare de [Arto] Lindsay ont plus en commun avec la peinture - elles changent de ton et de texture, souvent de manière désorientante, mais aucune d'entre elles n'est aléatoire. [ Ikue] La batterie de Mori dépend fortement des modèles de tom tom, plutôt que de la grosse caisse, de la caisse claire et du chapeau haut de forme utilisés par la plupart des batteurs chronométreurs. [Tim] Wright jouait généralement des lignes [basse] cohérentes et mélodiques. ... Lindsay chantait comme s'il était sortir les mots de son estomac avec un crochet, les rendant inintelligibles."
Les artistes de Gray n'étaient pas formés à leurs instruments : Jean-Michel Basquiat à la clarinette ou au synthétiseur ; Michael Holman aux percussions ; Nick Taylor à la guitare ; et Wayne Clifford s'éteignant sur une variété d'instruments (Shannon Dawson, plus tard de Konk, était un membre antérieur du groupe). Le critique musical Glenn O'Brien a décrit le groupe comme "une sorte d'ensemble de salon d'effets sonores industriels bebop à écoute facile", écrivant plus tard que Gray abordait la création musicale "de la façon dont on prendrait une étrange machine et essaierait de comprendre son fonctionnement et sa fonction . "
Événement : Konk contre Liquid Liquid
Lieu : Tompkins Square Park
Date: Août 9, 1981
Un coup de génie du marketing a fait d'un concert d'été en plein air une sensation en qualifiant l'événement du 9 août 1981 de confrontation entre les groupes présentés. Richard McGuire de Liquid Liquid a créé une affiche pour le concert de Tompkins Square Park sous la forme d'un combat de boxeurs annonçant "Konk vs Liquid Liquid", promouvant une rivalité amicale entre deux groupes qui aimaient faire danser leur public. Le concert qui en a résulté, qui comprenait également plusieurs autres groupes locaux et internationaux, a obtenu des critiques favorables dans les deux The Village Voice et Rockeur new-yorkais.
Liquid Liquid et Konk se sont tous deux formés à New York en 1980, et ils ont rapidement développé une réputation pour leur musique légèrement décalée, animée par des rythmes funk dansants et basés sur le groove. Issu de la scène new wave post-punk new-yorkaise, Liquid Liquid ne ressemblait en rien à ce qui les a précédés : sans guitariste, ils ont construit leur musique sur des grooves propulsifs uniques. Konk a puisé dans une gamme d'influences new wave, funk, disco et afropop avec l'improvisation libre du jazz. Les deux groupes continueraient à se produire et à enregistrer pendant plusieurs années. La sortie notable de Liquid Liquid « Cavern » en 1983 est devenue un classique instantané des clubs de danse, échantillonnée par de nombreux groupes de hip-hop au fil des ans.
Événement : Fête du bruit
Lieu : Colonnes blanches
Date : 16 au 24 juin 1981
Lorsque le propriétaire d'une boîte de nuit, Ray Boykin, a déclaré : « Avouons-le, beaucoup de musique n'est que du bruit », il a involontairement inspiré un événement artistique et musical révolutionnaire : le Noise Fest de 1981. Bien que Boykin fasse référence à l'art rock atonal et dissonant du mouvement « no wave » de la fin des années 1970, au début des années 1980, une vaste cohorte de musiciens explorait toujours les possibilités du « bruit ». Le directeur de l'espace artistique TriBeCa White Columns, Josh Baer, a invité Thurston Moore du groupe Sonic Youth à organiser une programmation autour du thème, et ce qui était envisagé comme un événement d'une journée s'est rapidement transformé en un festival de neuf jours à partir du 16 juin. au 24, 1981.
Comme Moore l'a rappelé, « Les groupes ont commencé à m'appeler pour m'impliquer. À peu près tous ceux qui m'ont appelé, j'ai dit oui à… Insane… » L'événement décisif a réuni des « expérimentateurs contemporains d'avant-garde post-no wave punk » qui ont créé une expérience mémorable, quoique agressive. Comme Les nouvelles hebdomadaires de SoHo a rapporté : « La pièce est minuscule, la réverbération est mortelle et l'amplification si forte qu'il est pratiquement impossible de rester à l'intérieur de la pièce plus d'une minute. »
White Columns a transformé l'événement en une plate-forme pour l'art expérimental en organisant une exposition simultanée sous le titre Le Big Beat et la production d'un fanzine d'accompagnement. L'événement a également donné naissance à une cassette en édition limitée, enregistrée par Anne DeMarinis de Sonic Youth, et a inspiré le directeur de White Columns, Josh Baer, à s'associer au compositeur Glenn Branca pour créer Neutral Records. Le label a ensuite publié les premiers efforts de Sonic Youth et Swans, ainsi que d'importants enregistrements de Y Pants et Branca.
Artiste : Kid Creole et les noix de coco
Lieu : Danceteria
Date: 1980
N'importe quelle nuit à partir du début des années 1980, Kid Creole and the Coconuts montait sur scène et transportait son public dans un monde fantastique qui The New York Times décrit comme « Les Marx Brothers rencontrant Carmen Miranda à Kingston de Bob Marley ». Ce fut le cas lorsque le groupe, dirigé par August Darnell (Kid Creole), mena une revue de près d'une douzaine de musiciens pour interpréter leur musique dansante et genre à la Danceteria en juillet 1980.
Comme communiqué de presse pour leur premier album, Au large de moi (1980), a noté: «Leur nom évoque des images de sérénité tropicale et de folie insulaire et le groupe présente en plus d'August Darnell... équipage intégré préparant une combinaison de musique insulaire et de funk urbain de la classe ouvrière. Leur deuxième sortie ambitieuse, Fruits frais à l'étranger (1981), a été construit sur le concept d'un récit de voyage musical et est devenu une production théâtrale au Public Theatre.
Leur musique était intelligente, énervée et toujours dansante, attirant les habitants du disco qui dansaient encore, les new wave purs et durs et tout le monde entre les deux.
Artiste : Madonna
Lieu : Danceteria
Date: Décembre 16, 1982
Le jeudi 16 décembre 1982, une ambitieuse de 24 ans utilisant uniquement son prénom est montée sur la scène du deuxième étage de Danceteria sur la 21e rue pour interpréter publiquement sa propre musique pour la première fois. En chantant son single "Everybody" récemment enregistré, Madonna a fait la première partie du palmarès de la musique indépendante britannique, A Certain Ratio.
Madonna Louise Ciccone était venue à New York de son Detroit natal cinq ans plus tôt avec l'ambition de devenir danseuse professionnelle. Au début des années 1980, elle était une figure familière sur la scène du centre-ville. Comme l'a déclaré le DJ Mark Kamins, qui a finalement produit son premier single, "Madonna était une habituée de Danceteria. Elle avait beaucoup de style et devait être le centre d'attraction. Sa première apparition et le single pour Sire Records ont servi de tremplin à la gloire ; la sortie de son album éponyme a rapidement suivi en 1983.
L'année suivante, Madonna a attiré l'attention du monde entier lorsqu'elle a interprété "Like a Virgin" aux MTV Video Music Awards au Radio City Music Hall. Sa performance suggestive est considérée comme l'un des moments les plus emblématiques de l'histoire de la télévision. Au cours de la décennie et demie suivante, Madonna est devenue « la reine de la pop », une figure dominante de la musique et de la mode mondiales.
Événement : Festival de la prochaine vague
Lieu : Brooklyn Academy of Music
Date : 1982 à 1983
Un tremplin important pour la nouvelle musique dans les années 1980 est venu d'une source qui aurait pu sembler improbable : la vénérable Brooklyn Academy of Music (BAM). Mais en septembre 1982, lorsque la deuxième édition de sa série Next Wave a été lancée, BAM était déjà connu pour favoriser l'art aventureux. Le festival d'une saison a présenté un nombre sans précédent d'artistes, à la fois nouveaux et bien connus, de diverses disciplines, dont beaucoup ont présenté des premières mondiales.
L'ouverture de la série était Steve Reich, un leader établi de la composition minimaliste; son programme couvrait l'éventail de sa carrière, de Drumming (1971) à la première mondiale de Contrepoint du Vermont (1982). Le musicien et compositeur du centre-ville Glenn Branca a créé son Symphonie n°3 : Gloria pour guitare électrique et percussions, une pièce rauque qui combinait le pedigree musical du minimalisme avec l'attrait du rock and roll. Laurie Anderson a créé la rumination complète des médias mixtes sur l'Amérique moderne :
États-Unis : parties I à IV, alliant création orale et musique électronique à des projections.
La série Next Wave 1982-83 s'est terminée par une présentation collaborative entre le grand jazz moderne Max Roach et l'équipe de danse de Bill T. Jones et Arnie Zane, une étape importante de l'innovation et de la performance interdisciplinaire. Cela a clôturé une saison de concerts visionnaires qui ont présenté la nouvelle musique à un large public. Next Wave est resté un pilier de BAM depuis lors.
Artiste : Funky 4 + 1
Lieu : Samedi soir en direct
Date: Février 14, 1981
Le 14 février 1981, le Funky 4+1 apparaît sur Saturday Night Live (SNL), marquant la toute première fois qu'un groupe de hip-hop se produisait en direct à la télévision nationale. Formé dans le Bronx en 1976, le groupe qui a joué le SNL comprenait quatre hommes – KK Rockwell, Keith Keith, Li'l Rodney C. et Jazzy Jeff – avec le « plus un de plus » étant Sha Rock, la première femme MC du hip hop.
Dans un mouvement qui reflétait l'influence croissante du hip hop sur la culture rock du centre-ville, Funky 4 + 1 avait été invité à se produire sur SNL par l'animatrice et invitée musicale de cette soirée, Debbie Harry du légendaire groupe new wave/punk Blondie. SNL a invité Harry à choisir un autre invité musical pour l'accompagner, et elle a choisi Funky 4 + 1, qu'elle a présenté comme "parmi les meilleurs rappeurs de rue du pays" et "ses amis du Bronx".
Le groupe a interprété son deuxième single, « That's the Joint », publié sur Sugar Hill Records. The Village Voice le critique musical Robert Christgau a attribué à la chanson sa meilleure note et l'a ensuite nommée dans sa liste des meilleurs des années 80. Il est resté influent au fil des ans, échantillonné à la fois par les Beastie Boys et De La Soul.
Artiste : La bande de Fort Apache
Lieu : Mikell's
Date: Décembre 31, 1985
Le soir du Nouvel An 1985, le Fort Apache Band, basé dans le Bronx, a joué plusieurs sets au Mikell's, un club de jazz au coin de la 97th Street et de Columbus Avenue. La musique de ce soir-là incarnait le projet d'animation du groupe : explorer l'intersection créative des traditions musicales afro-cubaines et portoricaines avec le jazz.
Le groupe avait été co-fondé par les frères Andy et Jerry González en 1979. Andy jouait de la basse ; Jerry, le leader, était un percussionniste et trompettiste qui incarnait l'esprit intersectionnel du jazz latin moderne. Initialement, le groupe était anonyme (leur premier album, Ya Yo Moi Curé, a été enregistré sous le nom de Jerry), mais ils se sont finalement nommés d'après le commissariat de police du sud du Bronx, transformant une insulte en une déclaration de fierté. (L'ensemble avait été actif dans les manifestations contre la production du film de Paul Newman Fort Apache, le Bronx en 1981.)
Ayant enregistré un album live (La rivière est profonde) en 1982, au moment de leur représentation du réveillon du Nouvel An, le groupe était plongé dans l'exploration des thèmes musicaux qui se concrétiseraient dans les années 1989 Rumba Para Moine. Cet album phare a jumelé des rythmes latins avec des compositions de Thelonious Monk, avec un grand succès. « Chaque fois que j'entendais du jazz – Trane, Miles ou Monk – j'entendais les rythmes cubains avec ça tout au long de l'histoire », a déclaré Jerry González. Down beat en 1990. « Dizzy (Gillespie) a prouvé qu'on peut superposer un bebop authentique sur une basse rythmique latine complexe sans les diluer.
Artiste : John Zorn
Lieu : Roulette
Date: Octobre 13, 1984
Cobra est l'une des « pièces de jeu » les plus influentes du compositeur d'avant-garde John Zorn, des compositions musicales défiant le genre conçues pour une improvisation contrôlée. Créé à la Roulette, un espace d'art alternatif TriBeCa, le 13 octobre 1984, Cobra a été inspiré par un jeu de rôle de la Seconde Guerre mondiale du même nom. La pièce a été conçue comme un système de règles destiné à créer « un ensemble de relations interpersonnelles plus lâches mais plus complexes » pour un groupe de musiciens et un souffleur. Zorn a écrit la partition avec l'intention d'encourager un rythme rapide et des changements rapides dans la musique. Il a comparé ses intentions au « genre de découpage temporel radical et à la structure syntaxique de la musique de dessin animé classique de Carl Stalling et Scott Brady ».
Originaire de New York, Zorn est une figure centrale de la scène du centre-ville depuis 1975. Il est connu pour s'être inspiré d'un large éventail de genres musicaux, notamment le jazz, le rock, le punk hardcore, le classique, le klezmer, le cinéma, le dessin animé, le populaire , et de la musique improvisée. Zorn continue de créer un corpus d'œuvres influent qui traverse les catégories académiques standard. Cobra est devenu un incontournable de la musique d'avant-garde, joué régulièrement par des musiciens chevronnés et des étudiants cherchant à perfectionner leurs compétences en improvisation.
Événement : Fête de la vie de Keith Haring
Lieu : Paradise Garage
Date: mai 16, 1984
Le 16 mai 1984, l'artiste Keith Haring a organisé sa première Party of Life, une célébration d'anniversaire qui était une convergence ravissante d'art, de musique et de performances à la discothèque Paradise Garage à SoHo. La fête a été co-organisée par Larry Levan, le DJ résident du club et producteur de disques et mixeur de renom, et a présenté une liste d'invités étoilés avec des performances de Madonna et John Sex. Madonna a chanté "Dress You Up" et "Like a Virgin", qui est sorti plus tard cette année-là, vêtue d'un costume conçu par Stephen Sprouse et peint par Haring et LA II.
Paradise Garage avait ouvert ses portes en 1977, inspiré par les soirées DJ privées de David Mancuso au Loft - aucune boisson alcoolisée n'était servie, aucune nourriture ou boisson n'était vendue. Le club était sur invitation uniquement, avec un parrainage dévoué d'hommes homosexuels principalement noirs, et la magie des platines de DJ Larry Levan était le principal attrait.
Dans ses journaux, Haring a écrit : « Je ne sais pas si vous savez à quel point le Paradise Garage est important, du moins pour moi et la tribu de personnes qui y ont partagé de nombreuses expériences spirituelles collectives. Ann Magnuson, artiste du centre-ville, actrice et amie de Keith Haring, a écrit que "la danse était notre rite païen et le Paradise Garage, le premier club de danse gay multiculturel, est devenu le Panthéon de Keith". La fête de la vie était peut-être l'exemple ultime de l'art, de la mode et de la musique du centre-ville convergeant sur la piste de danse.
Artistes : Run-DMC et The Treacherous Three
Lieu : Graffiti Rock
Date: Juin 29, 1984
L'histoire a été écrite en juin 1984 lorsque la première émission de télévision hip-hop syndiquée a été enregistrée sur une scène sonore à Midtown Manhattan. Roche Graffiti Le créateur, Michael Holman (un percussionniste du groupe « no wave » Gray, également mis en évidence dans cette galerie), a décrit le spectacle comme une « fête de musique et de danse célébrant la vie de la rue ». Bien que l'émission n'ait finalement diffusé qu'un seul épisode, le 29 juin, elle avait de grandes ambitions : offrir « un aperçu de l'avenir, une chance de voir ce que les jeunes d'aujourd'hui pensent et ressentent, chantent et dansent. Et cela, en fin de compte, aidera à déterminer la direction que prend toute notre société. »
Roche Graffiti présenté des actes révolutionnaires, y compris la performance de Run-DMC de leur single à succès, "Sucker MCs". Formé l'année précédente à Hollis, Queens, Run-DMC venait de sortir son premier LP au printemps 1984. Au moment de Roche Graffiti, le trio avait développé son son "rap rock" percutant avec des chansons comme "Rock Box". Ils ont également acquis une esthétique de la mode qui allait remodeler le hip hop pendant des générations, incorporant un style de rue comprenant des chapeaux Kangol, des baskets Adidas et des vestes en cuir noir.
Le programme comprenait également Kool Moe Dee et Special K, deux MC du trio vétéran The Treacherous Three. Basé à Harlem et dans le Bronx, le groupe était connu pour la vitesse et les qualités lyriques de leurs rimes. Les MC ont fourni l'introduction du spectacle, décomposant les éléments du hip hop, y compris le break, le DJing et les styles verbaux des MC, le tout avec un ensemble chargé de graffitis. Ils ont également participé à une bataille amicale de style libre avec Run-DMC.
Artiste : Arthur Russell
Lieu : Experimental Intermedia Foundation
Date: Septembre 22, 1985
Un moment révolutionnaire de la scène musicale expérimentale new-yorkaise est survenu à l'automne 1985, lorsqu'Arthur Russell a organisé plusieurs représentations à l'Experimental Intermedia Foundation à SoHo. Les performances en solo de compositions nouvelles et retravaillées associent le ténor plaintif de Russell à son violoncelle, parfois trempés de distorsion et de réverbération. Plusieurs chansons enregistrées au cours de ces performances constituent une partie importante de l'album révolutionnaire de 1986 de Russell, Monde de l'écho.
Russell est arrivé à New York en 1973 de son Iowa natal en passant par San Francisco. De formation classique à la composition et au violoncelle, il s'est rapidement intégré à la foule du centre-ville et est devenu le booker du lieu d'art avant-gardiste The Kitchen. Alors qu'il perdait progressivement ses illusions face aux opportunités de la scène musicale expérimentale, il fréquentait également des boîtes de nuit comme The Loft et Paradise Garage, le centre de la scène des clubs gays. Leur influence a rapidement commencé à apparaître dans son travail, alors que Russell commençait à créer de la musique pour les dancefloors de New York. Il a collaboré avec des groupes tels que The Flying Hearts, Loose Joints et Dinosaur L, qui ont produit les classiques de la danse « Is It All Over My Face ? » et « Allez Bang ! #5. "
Russell était le rare individu capable de se déplacer entre les mondes, de la salle d'art à la salle de danse, et son influence sur les créateurs de musique contemporaine et son appréciation par les critiques musicaux n'ont augmenté que ces dernières années. Russell a reçu un diagnostic de VIH peu de temps après la libération de Monde de l'écho, et il est décédé en 1992.
